Per molto tempo l’immagine di Babbo Natale è rimasta quasi immutabile. Un personaggio rassicurante, tradizionale, legato a un immaginario familiare fatto di camino, barba bianca, rosso intenso e atmosfere calde. Una figura più simbolica che narrativa, pensata per rappresentare valori semplici e condivisi.
È forse la risorsa più sottovalutata nel lavoro creativo, e allo stesso tempo la più decisiva.
Perché ogni volta che creiamo qualcosa, anche quando non ce ne accorgiamo, stiamo pescando da un archivio personale fatto di frammenti: una luce vista una volta in una giornata d’inverno, il profilo di una strada percorsa da ragazzini, il riflesso del mare in una vacanza che non ricordavamo più.
La memoria non è nostalgia.
È materia prima.
Spesso confusa con il suo esatto contrario l’ironia è invece una forma di intelligenza complessa. Nella comunicazione, quando è usata bene, diventa una leva potente: alleggerisce, crea empatia, rende i brand più umani.
Ma per funzionare deve essere autentica. Non basta una battuta o un tono scanzonato: serve un punto di vista, una coerenza con ciò che il marchio rappresenta. L’ironia deve sembrare naturale, non costruita.
Non tutti i brand possono permettersela — e non sempre è il linguaggio giusto — ma quando esiste un terreno comune tra marca e pubblico, diventa un modo per creare prossimità.
Un’idea brillante non è mai abbastanza. Un progetto creativo vive davvero solo quando riesci a comunicarlo — prima a colleghi e collaboratori che la svilupperanno con te, poi al cliente che lo riceverà.
Saper spiegare e coinvolgere i collaboratori è una parte fondamentale del processo creativo. Le idee non vanno imposte, vanno condivise, discusse, reinterpretate. Devono passare di mano in mano, attraversare sensibilità diverse, essere assorbite e restituite arricchite. È così che diventano solide, vere, capaci di resistere al tempo e ai compromessi.
Viviamo in un tempo in cui non manca nulla, ogni strumento è lì, a portata di mano, pronto a offrirci risultati puliti, coerenti, immediati. Un tempo era l’opposto: le risorse erano poche, e ogni idea doveva fare i conti con i limiti tecnici, con la lentezza, con l’attesa. Paradossalmente, era proprio quel limite a educare lo sguardo.
Oggi, invece, l’abbondanza rischia di confondere. Quando tutto è possibile, il difficile diventa scegliere. E se una volta la fatica era produrre qualcosa di tecnicamente valido, ora è trovare un motivo autentico per farlo.
Un altro piccolo esperimento che mi sono divertito a fare: simulare un servizio fotografico di moda, facendo riprodurre alla AI uno stile di fotografia, la pellicola, la luce, e scegliere ogni elemento nella scena, dalla modella al paesaggio. Nei diversi confronti con colleghi e amici molti hanno commentato comprensibilmente preoccupati, per tantissimi le AI Generative sono la fine dell’artigianalità.
Ma l’intelligenza artificiale non è un passaggio obbligato.
Chi lo desidera — e ha i mezzi per farlo — può ancora scegliere di creare tutto “a mano”.
Read MoreL’AI non è obbligatoria, ma è una possibilità per tutti
Nelle ultime settimane sto concludendo un corso sulle AI generative. Questo percorso cè stato molto interessante e mi ha lasciato ancora più consapevole di una certezza: questo tipo di tecnologia cambierà profondamente il nostro modo di progettare e di intendere la creatività.
Per anni il valore di un designer è stato spesso associato anche alla sua abilità tecnica, alla padronanza dei software, alla capacità di “mettere in bella” un’idea.
Una delle fasi più critiche nella storia di un’impresa è il passaggio generazionale. Quando un’azienda passa da una generazione all’altra, non è mai un semplice per via del cambio di ruoli in organigramma, ma anche perché il testimone passa dal padre ai figli, generazioni cresciute in contesti storico-culturali completamente diversi. È un momento che porta con sé un’eredità di valori e una spinta naturale verso il futuro. C’è chi riceve in dono la solidità di un percorso costruito con fatica, e chi porta sul tavolo nuove idee, nuovi linguaggi, nuove prospettive. Questo incontro tra passato e futuro non è solo gestionale: è identitario.
Negli ultimi anni ho notato una tendenza curiosa: alcuni studi e creativi usano sempre lo stesso stile, in qualunque progetto, per qualunque cliente. Un’estetica riconoscibile, una firma evidente, che funziona benissimo… ma soprattutto per il branding di chi progetta.
Per il cliente, invece? Non sempre è un affare.
Perché lo stile, quando parliamo di comunicazione, non è un cappotto prêt-à-porter che si infila a chiunque. È qualcosa che dovrebbe nascere intorno all’identità del brand, parlare la lingua del suo pubblico, farsi riconoscere dai clienti del cliente.
Negli ultimi anni, il design dei loghi ha intrapreso una rotta chiara: quella del minimalismo estremo. Curve semplificate, spessori uniformi, palette essenziali, assenza di tridimensionalità o effetti speciali. Un’estetica silenziosa, discreta, pulita. E sì, riguarda tutti: non solo i nuovi brand, ma anche i marchi storici che hanno riscritto la storia della comunicazione visiva.
Non è una moda passeggera. È la risposta a una serie di esigenze concrete e trasversali, che riguardano tecnologia, fruizione e contesto:
